Ainda sobre tradução. A febre russa.

Depois do boom das traduções diretas do russo no Brasil e os frutos que colhemos dele, alguém pode perguntar o porquê de essas traduções serem tão mais indicadas do que as indiretas. Por que isso acontece?- Por vários motivos.
      Para nós “russos”, as traduções literárias indiretas parecem cada vez mais transitar em estradas desconfortáveis, ou melhor, são olhadas com cada vez mais descrença, uma vez que o nível de exigência aumentou entre os leitores. Não é apenas o grau de verossimilhança da narração que importa pois o que vale é não descaracterizar o texto russo que está impregnado de conflitos espirituais dos muitos personagens criados. O impacto retórico é muito grande e, por isso, fazer com que o texto seja contextualmente entendido torna-se um grande desafio para quem se aventura a traduzir obras russas do original. O universo referencial russo será sempre o limiar entre a ficção e a realidade que devem ser traduzidos com cautela para que as traduções deixem de ser muletas para quem não domina idiomas além do nativo.
      A tradução, portanto, não deve ser vista como um mal necessário, dado que há uma gama de tradutores do russo que se preocupam não só em traduzir frases mas sim estados de espírito.
      Para que se entenda melhor a importância da tradução direta e a relevância que os tradutores de russo têm hoje, sugiro que os amigos visitem duas páginas. Uma é um artigo chamado Febre Russa: a chegada de uma literatura arrebatadora, escrito por Bruno Gomide (USP), na Revista Ciência Hoje, sobre a recepção de obras russas no Brasil e sobre algumas questões das traduções das mesmas. Link: http://cienciahoje.uol.com.br/revista-ch/revista-ch-2007/236/febre-russa-a-chegada-de-uma-literatura/. O outro é um link é o da Revista Entrelivros que no nº 4, do ano de 2005, publicou uma reportagem grande chamada Rússia Redescoberta. Essa revista só pode ser comprada pela Internet, porém, vale a pena, pois trata, além das opiniões dos tradutores, outros assuntos como por exemplo, a transposição da literatura russa para o texto cinematográfico e teatral. Link: https://ssl430.locaweb.com.br/clubeduetto/loja/edicao_anterior.asp?fml=4&ctgr=22

Tradução: do luxo à exigência. Do russo ao português

Amigos,  

       Esta semana, fui indagada, por e-mail, a questão da tradução. Apesar de não ser linguista, o que eu posso dizer para contribuir com a consolidação da perspectiva de que a tradução direta é sempre melhor, é recordar alguns traços teóricos que sirvam de paradigmas para quem se interessar em aprofundar o tema.
       Se, por exemplo, nos pautarmos pela teoria dos linguistas Vinay e Darbelnet, veremos que a mente do tradutor oscila entre a consciência e a subconsciência no passar de uma língua para a outra e esse movimento se divide em dois processos que, segundo eles, seriam chamados de tradução direta e oblíqua, ou seja, a tradução literal, via empréstimos, seria parte da tradução direta ao passo que a tradução obliqua abarcaria tudo aquilo que é transposto ou adaptado. O conceito de tradução direta para eles, entretanto, é o que conta com certas confluências lexicais entre uma língua e outra, fato que não se encaixa perfeitamente quando a língua em questão é o russo. Já o conceito da tradução oblíqua nos seria mais acessível, uma vez que aceita “deslocamentos de linguagem” (REIS. 2002,p.43) que permite que sejam concedidos braços maleáveis mantenedores da cultura da língua a ser traduzida.
      Outra vertente teórica versa pelos conceitos de Roman Jacobson que aposta no oficio de tradutor como bilinguismo. Jakobson é dono de três conceitos sobre tradução que não me cabe aqui comentar com propriedade, mas friso que o conceito que me causa mais curiosidade é o de tradução intersemiótica que abrange “a interpretação de signos verbais por meio de sistemas de signos não verbais” (REIS, 2002,p. 44). Nesse sentido, há um balancear entre as diferenças linguísticas que não ignoram as suas funções cognitivas formadores de qualquer língua.
      Para aqueles que se interessam pelo tema da tradução, principalmente pelos conceitos de Roman Jakobson, que por acaso era russo e foi um dos maiores linguistas do século XX, eu indico o artigo de Patrícia Reis, professora de tradução da UNORP, disponível no link: http://www.unorp.br/asp/..%5Crevista%5CletrasI%5C4.pdf. Para quem quiser ler sobre como esse tema é pertinente para os estudos russos, eu sugiro a reportagem da Folha de São Paulo: Novo chamariz, tradução direta deixa de ser luxo e vira exigência, de Alexandra Moraes e Ernane Neto com contribuições de Bruno Gomide (USP). 2008 Link: http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u362961.shtml

Introdução a Dostoiévski

 Queridos amigos, 

      Certa vez, recebi um comentário sobre um filme baseado no romance Crime e Castigo, uma das obras mais substanciais do realismo russo. Nesse comentário, havia um questionamento sobre o filme dessa mesma obra e eu reitero que é necessário que se saiba exatamente que produção é esta, pois a literatura russa, entre as décadas de 20 e 60, foi terreno fértil para a sétima arte. Inúmeras obras receberam uma formatação cinematográfica mas nem todas elas foram bem sucedidas.
      Particularmente, no caso de Fiódor Dostoiévski, o narrador, que é anônimo e onisciente, traça o perfil de uma gama imensa de personagens que vêm e vão conforme sua importância na narrativa. São as famosas vozes dostoievskianas que retratam uma Rússia que caminhava a passos largos para o colapso político altamente destrutivo. Em romances psicológicos como Crime e Castigo e Irmãos Karamázov, nada é por acaso e como os personagens parecem saídos da vida para as páginas, talvez seja este o motivo de tanta cobiça fílmica.
   Obviamente, o cinema tem uma nova vertente narrativa para a literatura mas, muitas vezes, escondeu-se por detrás da essência literária, ou seja, da linguagem e isso pode ser escorregadio se não houver um foco cinematográfico que ande em paralelo com o texto. Acredito que por serem temas atuais inerentes a um âmbito realista, romances como os de Dostoiévski merecem uma simbologia, via cinema, que seja adequada ao novo tipo de linguagem e que não seja encaixada na padronagem hollywoodiana.
       Sem dúvida, as melhores adaptações de obras russas para o cinema são as locais produzidas pela Rússia Soviética através do estúdio MOSFILM que tinha por hábito levar o que há de melhor na literatura para as telonas. Hábito que continua até os dias de hoje em que vemos grandes clássicos russos adaptados para a tv aberta.
       Se as adaptações russas não forem alcançáveis, há boas produções  de autores russos disponíveis no Brasil como: O Idiota, de Akira Kurosawa (1951), Irmãos Karamazov, de Richard Brooks (1957). Outras obras como Anna Karênina, de Bernard Rose (1997), Guerra e Paz, de King Vidor e Olhos Negros (baseado no conto A dama e o cachorrinho), de A.Tchekhov), de Nikita Mikhailov (1978) com o ator italiano Marcello Mastroianni, aos meus olhos, ficaram de menor calibre ao terem suas releituras exíguas dentro da capacidade fílmica que poderiam ter tido.  Particularmente, eu recomendo o filme A mãe, de Vsevolod Pudovkin(1924)  que é baseado na obra homônima de Maksim Górki. É um filme mudo que retrata, como poucos, a militância política em tempos de miséria, de da pão e de alma. É fácil encontrar esse  filme que é um dos clássicos que englobam a coleção do Cinema Revolucionário Soviético (foto abaixo). Com relação ao filme Crime e Castigo, de Joseph Sargent (1999), compartilho da opinião de que a versão é pálida, pois não tem o vigor necessário em seu protagonista, Ródia Raskolnikov, mas tem seus méritos com boas alocações externas e uma atuação firme, porém discreta, de Ben Kingsley no papel do inspetor de polícia Porfíri Pietróvtich.

Maksim Górki: um revolucionário em cores

Queridos leitores,

      Recentemente recebi um post bastante interessante de uma pessoa que gosta muito da literatura russa e que tem a noção de como a nossa visão a respeito das obras muda com o passar dos anos. Digo que compartilho dessa opinião, pois o mesmo acontece comigo. Já reli muitas obras e a cada releitura, me sinto renovada e percebo que o meu olhar ficou mais abrangente mas a beleza das obras continua lá, me esperando, me chamando. 

     Em seu comentário, este leitor fala dos efeitos sensoriais que as obras russas provocam. É perfeitamente possível que se veja as imagens e que se sinta os cheiros que os livros exalam e é por esse motivo que eu falo a vocês um pouco sobre o autor russo Maksim Górki, um dos meus escritores favoritos. 

     Há muito se estuda o escritor Maksim Górki como o fundador do realismo socialista russo, escritor de força política e de escrita arrojada e traçante.  Porém, ao mergulhar no universo gorkiano, notei que a cada página estava diante de uma espécie de pintura onde é perfeitamente perceptível a presença de uma paleta de cores pronta para pincelar a literatura. Não que os outros escritores russos não tenham explorado a refratabilidade das cores, mas Górki o fez com uma maestria imensurável.

    O ambiente em que Górki, que em russo significa o amargo (pseudônimo de Aleksiei Maksímovitch Piechkóv), cresceu e escreveu era de uma hostilidade ímpar, fato que produziu um texto de pontaria certeira que contou com o desfile de personagens coloridos de raiva, angústia, dor, medo, fé e confiança. Como um Oliver Twist russo, Aleksiei/Górki enfrenta as ruas e pinta em cores vivas tudo aquilo que vê com olhos, enfrentando proeminentes injustiças em sua estrada.

     Para entendermos melhor como as cores se misturam a textos de cunho autobiográfico como os de Górki, devemos começar com um exemplo bem simples. Desde sempre houve o azul do céu, o branco das nuvens, o amarelo do sol, o verde das matas, o laranja do pôr-do-sol, e todos esses pigmentos são provenientes da natureza que apresentou aos homens o colorido que, por sua vez, ofereceu-lhes algum tipo de imagem, despertou-lhes sentimentos. E daí não foi difícil acontecer a necessidade de expressá-los, recorrendo também ao colorido. Imagem e sentimento: são estas a razão pela qual eu me dedico a este breve relato sobre as cores no romance gorkiano, por acreditar que elas podem ter sido personificadas em cada um dos personagens que, em algum momento da vida, cruzaram o caminho de Aleksiei/Górki. De forma interessante, as cores se fazem presentes na maioria dos textos e, sendo assim, elas merecem algum tipo de percepção já que elas são inerentes à vida de qualquer homem.

      Teorias sobre as cores são várias e a aplicabilidade delas mais diversificadas ainda. Mas será com Johann Wolfgang Goethe (escritor alemão) que irei colorir meus objetivos literários. Publicada em 1810, A doutrina das cores revolucionou a concepção prévia entre luz e cor proposta por Isaac Newton que via as cores como um fenômeno puramente físico, envolvendo a luz que incide nos objetos e que penetra nos olhos, ao passo que Goethe concebe a ideia da “sensação das cores” que surge na mente e é moldada pela nossa percepção, ou seja, enxergamos as cores por engrenagens visuais e pela forma de como nosso cérebro codifica as informações rque nos são enviadas. Goethe defende que o olhar é sempre crítico. Apenas olhar (ver) não gera um estímulo e um estímulo é uma experiência que transcende a um mero observar, ele cria um vínculo teórico e leva o observador a tirar suas próprias conclusões acerca do observado.

     Para Goethe, a sensibilidade, o sensorial, não são somente atos de recepção, são ímpeto, isto é, as cores devem ter dupla interpretação, elas devem ser vistas em paralelo como a “paixão” e a “ação” da luz. A cor não é apenas luz, mas é um resultado de uma interação, de um olhar como forma de criar o real. A luz não só está dentro de cada um de nós como acaba se identificando com o próprio sujeito. Daí a importância em ressaltar o processo de percepção visual pelo qual passou Aleksiei pois foi assim que ele manteve o contato com o mundo que o cercava e obteve informações sobre si mesmo, sobre os outros, sobre lugares e coisas e suas representações. Para Aleksiei, a cor é um dos principais fatores determinantes da forma como ele qualifica, recepciona e se relaciona com o mundo, por elas influenciarem o seu cotidiano e o seu comportamento, ajudando a revelar o estado de espírito das pessoas, podendo também servir até mesmo para pré-julgamento e declarações de amor do menino. A cor é, portanto, tudo aquilo que transparece a realidade. A cor tem compromisso com o real, com aquilo que é verossímil, entretanto, não devemos considerar que a cor dá a obra somente aspectos físicos. A cor que nos interessa aqui é aquela que transparece a realidade e é característica do âmbito literário, assim como dos atos, das vivências e dos estados de cada personagem que foram excessivamente talhados por Górki.

       Por que o olho vê com maior precisão o objeto dos seus sonhos, com imaginação, quando está acordado? Com esse questionamento de Leonardo da Vinci, encerro esse estudo, respondendo que talvez seja apenas pelo estado de vigília que sejamos capazes de interpretar a vida através da legítima reação de sensibilidade do olho à luz.

    Para quem desejar conhecer algumas obras de Górki em que claramente se sente a preseça da luz, das cores e dos cheiros, eu indico os livros Contos Italianos (Ed.Garapuvu), a trilogia autobiográfica Infância, Ganhando meu pão e Minhas Universidades (Ed.Cosac Naify, 2007) e os contos Vinte e seis e uma, Na estepe e Meu companheiro de estrada (Máximo Górki. Contos. ed Itatiaia, 2005).

Tolstói na ABL - O centenário da morte de um mestre

Prezados,

         No dia 14/12/ 2010, estive na Academia Brasileira de Letras - ABL (Rio de Janeiro) para assistir à mesa-redonda sobre o centenário de morte do escritor russo Liév Tolstói. Participaram do debate os acadêmicos Moacyr Scliar (in memoriam) e Carlos Nejar, coordenados por Sérgio Paulo Rouanet.

         Devo dizer que, para mim, foram palestras muito elucidativas e interessantes sob o ponto de vista biográfico. Sendo assim, darei agora a vocês, a minha visão sobre esse memorável autor Líév Nikolaievitch Tolstói (1828-1910). Não falarei nada sobre sua biografia, mesmo sabendo que a sua obra e a história russa são indissociáveis. Nesse primeiro momento, prefiro falar de forma panorâmica sobre o realismo russo e de como Tolstói se enquadrava nessa tendência literária.

         Assumindo cada vez mais uma maior proximidade com o leitor, a prosa russa propõe contratos de leitura que admitem efeitos autobiográficos e/ou de realismo, evitando o risco de hermetismo e incorporando a linguagem cotidiana, recusando o apoio sistemático na metáfora ou na imagem, optando por uma formulação mais narrativa embora sem excluir a possibilidade de ser lida a um nível mais elaborado, até pelo fato de frequentemente desenvolver relações intertextuais de grande complexidade teórica. Essas características são plenamente visíveis em obras de resquícios autobiográficos como algumas das primeiras produções tolstoianas Infância, Adolescência e Juventude.

         As leituras realistas dessa época põem em evidência a autoreferencialidade e recusam qualquer tipo de mecanismo referencial que não seja de ordem denotativa, ou seja, real e esse fato leva -nos a concluir que, não havendo denotação, descrição de fatos, não há qualquer outro mecanismo referencial em presença. E este processo que se destaca  através da expressão somatização estrutural: um processo pelo qual o texto põe em evidência as suas características discursivas, fazendo dessas propriedades objeto de referência – isto é, mostrando-as de forma radical, forçando o leitor a tornar-se sensível à própria condição do texto enquanto objeto de linguagem que perante si estremece, ou se desagrega, ou se indefine, ou se fragmenta – alude a uma experiência do mundo que só assim parece tornar-se dizível. Essas intermitências do ser me parecem ser o grande ingrediente da prosa de Tolstói  tão visíveis em dramas internos de personagens como Anna Karênina, uma das grandes obras-primas do autor.

          Nos romances de Tolstoi há muito das regras do gênero épico (vide Guerra e paz), porém ele não se prendeu a normas e processos de perspectiva literárias. Os romances foram feitos a seu modo, não dando aos romances um enredo ou tramas, nos moldes clássicos da narrativa de ficção, nem deu segmento lógico e ordenado ao relato e sim adota o princípio dos quadros distintos, como se não participassem intrinsecamente das narrativas geral. Tolstói intercalou os episódios de mera ficção com digressões de fundo puramente histórico, documentados, com reflexões filosóficas que são ferramentas para dar calmaria em situações tensas dos romances.

         Hoje, falei apenas de romances, mas gostaria de frisar que Tolstói também alcançou maestria escrevendo contos. Considerado um dos melhores contos da história, a crítica destaca A morte de Ivan Ilitch. Concordo plenamente com que esse conto é, de fato, maravilhoso, pois em pouquíssimas páginas, Tolstói consegue dissertar acerca do tema da solidão da morte e a possível insignificância do ser como ser humano. Como disse Moacyr Scliar na palestra já mencionada, A morte de Ivan Ilicth é mais que um conto, é um “caso clínico” que observa uma patologia que não é física.

         Ainda arrebatada pelas palestras que ouvi, recomendo a vocês todas as obras de Tolstói, mas como são muitas, farei “boca de urna” para algumas delas como o romance Anna Karênina, publicado pela editora Cosac Naify, com tradução direta do russo de Rubens Figueiredo, A morte de Ivan Ilitch, publicado de Editora 34 com tradução direta do russo de Boris Schnaiderman, A felicidade conjugal e O Diabo, publicados pela Editora LP&M Pocket, com tradução também direta do russo feita por Maria Aparecida Botelho Soares.

Leiam e depois podem postar comentários com a opinião de vocês.

Balé Bolshói nos cinemas cariocas

 Meus queridos!

         Definitivamente, os russos estão chegando... Aproveitando que estamos em período de férias, indico a vocês uma ótima dica cultural. Está em cartaz no Cine Leblon e Cine Roxy, no Rio de Janeiro, o ciclo de exibições de várias apresentações do Balé Bolshoi, considerado o melhor balé clássico do mundo. Apesar de as exibições serem em cinemas, em nada prejudica a beleza, a precisão e a força de coreografias das mais premiadas. As apresentações são na íntegra, em quatro atos e filmadas em Moscou. Segue o roteiro:

Dia 23 de janeiro de 2011 (domingo) – Gisele

Dia 6 de março de 2011 (domingo) – Dom Quixote

Dia 29 de maio de 2011 (domingo) – Copélia

        Esses são balés bem famosos e alguns deles eu tive a felicidade de ver ao vivo, em Moscou. Posso garantir que o espetáculo é inesquecível mesmo se visto na telona. Essas obras, especificamente, vão mostrar a vocês lindos figurinos e memoráveis pas de deux, como o de Dom Quixote, por exemplo, que é um dos mais emocionantes do balé russo.
        Para maiores informações, visitem esse link do site ingresso.com.brhttp://www.ingresso.com.br/br/compra/ingresso/configuracao.asp?Compra=1&T_SETOR=00000077&T_SESSAO=14369259&T_IDCIDADE=00000002

Aproveitem!

Um pouco de Tchékhov

Anton Pavlovitch Tchekhov (1860-1904) é o grande nome das pequenas tragédias e da dramaturgia russa. Contista e dramaturgo, muitos dos princípios artísticos explorados por ele nos primeiros anos de produção permaneceram constantes em toda sua carreira.

Em sua poética, não havia exposições preliminares da situação ou introduções à narrativa, ou explicação das causas da ação. De maneira semelhante, muitos dos aspectos distintivos de sua obra têm a mesma genealogia, como observações sem propósito ou sem sentido nas conversas, que revelam um desentendimento mútuo. Assim, não é a biografia de um personagem ou algum problema universal que fornece a base de uma história cômica, mas sempre uma situação concreta do dia-a-dia. Já em sua prosa tardia, como nos contos A Dama do cachorrinho e A noiva (este, último conto do autor que já apresentava características diferentes dos demais), Tchékhov abordou problemas sociais e psicológicos mais complexos, mas novamente eles não eram explícitos ou centrais na trama. O enredo nunca se baseia nesses problemas, mas em detalhes circunstanciais, que permeiam sua prosa madura assim como sua obra inicial.

A década de 1880 também marca o início da dedicação de Tchekhov à dramaturgia. Sua primeira peça, que se tornou conhecida no Ocidente como Platonov, parece ter sido iniciada quando o autor tinha dezoito anos de idade.

Com o amadurecimento teatral, Tchékhov escreve as suas quatro peças mais famosas: A gaivota, Tio Vânia, As três irmãs e O jardim das cerejeiras tendo como principal responsável pela montagem dos textos de desde A gaivota, de 1896, Stanislávski que entendeu que cada personagem tchekhoviano é envolto numa zona de silêncio e, a partir da convicção de que o verdadeiro drama é a inação, desenvolveu, para essas encenações, não só um método de interpretação, mas também uma forma própria de levar esse dramaturgo ao palco. Seu trabalho, desenvolvido ao longo de anos à frente do Teatro de Arte de Moscou -TAM, apresentou uma forte marca pessoal, o que fica evidente no nome pelo qual esse conjunto de técnicas interpretativas tornou-se conhecido, mesmo a contragosto, o método Stanislávski. De maneira semelhante, os princípios que o orientavam na montagem das peças de Tchekhov apresentavam tamanha particularidade que receberam um termo próprio para designá-los: tchekhovismo. De um modo geral, nas peças de Tchekhov a ausência de sentido do presente converte-se em uma fragmentada esperança com relação ao futuro.

Em linhas gerais, os diálogos tchekhovianos são desprovidos de peso. Eles representam a cor pálida de fundo de onde se destacam os monólogos debruados de réplicas como manchas coloridas em que se condensa o sentido do todo. Assim, constata-se que a obra vive dessas auto-análises resignadas, que quase todas as personagens expressam. Em Tchekhov, as palavras não são pronunciadas no isolamento, mas em sociedade. Nas palavras da Professora Elena Vássina, o Doutor Tchékhov (ele era médico de formação) diagnosticava, mas não receitava. Portanto, o remédio a ser receitado como solução cabe a cada um de nós.

Recentemente, foram traduzidos por Maria Aparecida Botelho Soares, diversos contos de Tchékhov, organizados nos livros A Dama e o Cachorrinho e outras histórias e Um negócio fracassado e outros contos de humor, ambos publicados pela editora L&PM Pocket. Além desses livros, há várias outras peças e contos do autor traduzidos para o português diretamente do russo.

TCHEKHOV. Sua influência na literatura e no teatro do século XXI

C@ros leitores,

Para os interessados em literatura russa em geral, eu recomendo a presença no círculo de palestras sobre o contista e dramaturgo russo Anton P. Tchékhov, que está acontecebdo no SESC Copacabana.

As palestras  começam sempre às 18:30, porém recomenda-se 30 minutos de antecedência. A programação começo no dia 3/05, com a brilhante palestra do Professor e tradutor Rubens Figueiredo que fez um grande passeio sobre a época histórica que abarcava a produção literária de Tchékhov. No dia 10/05, será a vez da Professora Elena Vássina (USP) dissertar acerca da arte do prosador e do dramaturgo em Tchékhóv. Dia 12/05, haverá a estreia de uma encenação de dois contos tchekovianos.

Segue a programação:

Dia 17/05 - Palestra:Tchékhov: da farsa ao drama. Professora Arlete Cavaliare (USP)

Dia 24/05 - Mesa-redonda: Tchékhov -sua presença no Brasil, com: Luiz Artur Nunes (Professor e diretor teatral), Renata Sorrah (atriz e produtora teatral), Enrique Diaz (diretor, ator e produtor teatral), Luciana Frós (atriz) e Antônio Gilberto (mediador).

Para maiores informações, visitem o site do SESC RIO: http://www.sescrio.org.br/

Quem é você, Púchkin?

“O gigante Puchkin é o nosso maior orgulho e a maior expressão do espírito russo”

                                               M. Górki

No ocidente se questiona se ainda há espaço na literatura para a figura de um poeta nacional.  Considero que o pensamento ocidental se ocupou fundamentalmente da questão do conhecimento, da epistemologia onde não cabe mais a formatação de culturas em fronteiras bem fechadas. Porém, este não foi o caminho escolhido pelo pensamento russo atrelado à literatura. E é justamente na época de disseminação dos ideais iluministas que se cria um movimento progressista na Rússia, oriundo de uma tradição literária distinta e brilhante, obsessivamente centrada na sua cidade.

Para Aleksandr S. Púchkin, o conhecimento é significativo se for articulado com o desvelar dessa ótica realista (entendamos e significado da palavra realista apenas como visão de realidade político-social). É um olhar diferente do ocidental que, segundo Marshall Berman, ao falar sobre Puchkin, afirma que “pode até parecer irônico, até cáustico, falar da glória imperial numa hora como essa (Revolta Dezembrista de 1825). Mas se não percebermos que Púchkin acreditava ser real a glória do tsar, não sentiremos a força plena da crença quanto à futilidade e ao vazio e a dessa glória”. E é dessa predisposição histórica de onde parte a literatura russa, especialmente, no século XIX que endossa o conceito de que foram os poetas que escrevem o nacionalismo incutido no povo russo e que fica evidenciado em obras de diversos autores românticos russos entre os quais se destaca Púchkin.

Porém, como falar de literatura é falar de ficção, de fabulação, de arte, assim que entramos no mundo ficcional de puchkiniano, observamos que há vários tipos de personagens e que todos eles partem em busca de alguma coisa. Ao descrever cada um desses personagens, seus símbolos e relações, Púchkin utiliza todas essas energias, para designar modelos de personalidade que são uma herança compartilhada por todo o povo russo da época. Púchkin partiu do inconsciente coletivo russo que era semelhante ao seu pessoal. Sua ficção genuinamente nativa, nacional é como um retrato de uma cultura inteira que nasce desse coletivo, fazendo seus personagens incrivelmente atuais através dos tempos. A compreensão dessas forças fictícias é um dos elementos mais poderosos da coleção de recordações do poeta. Ao descobrirmos qual a função que um personagem que Púchkin está expressando no texto literário, saberemos determinar o peso de cada um deles nas narrativas.

Devemos, portanto, tentar compreender que os personagens de Púchkin não exercem papéis fixos, mas sim funções temporárias que se modificam ao longo das histórias. Olhando essas representividades como movimentos flexíveis de um personagem, é possível detectar as várias nuances da obra de Púchkin. Convivemos, então, com arquétipos que são como máscaras usadas quando convém pelos personagens à medida que são necessárias para o desenvolvimento da trama que sempre irá remeter um contexto histórico tido como verdadeiro.  Na minha interpretação, os personagens também podem ser enxergados como facetas da personalidade de Puchkin, ou seja, eles representam os ensinamentos que alguém como ele que já experienciou, os conhecimentos conscientes acumulados ao longo de sua existência como poeta e historiador discípulo de Karamizin, principal registrador da história russa.

A partir da obra de Puchkin, não se discute mais a conceito de autonomia da história, apenas procuramos entender, a partir da discussão sobre o conceito de história, o conceito central de suas obras: o conceito da literatura nacional. Entre os anos de 1831 e 1833, Puchkin escreve duas de suas principais obras em poesia, Boris Godunov e Ievgenii Onegin em que se levanta uma questão primordial sobre como pensar historicamente. Todavia, o autor não procurava orgulhosamente entronizar o lugar do historiador. Na verdade, para se compreender essas obras propuseram um exercício teórico que deveria realizar um exame de pressupostos, quebrando certezas cujo grau de cristalização romântica obscurecia o significados de conceitos fundamentais para a escrita da nova literatura russa introduzida por Púchkin, na Rússia. Sagaz, úchkin percebeu a relação entre a caudalosa produção historiográfica da primeira metade do século XIX e a confusão teórica da época e, assim, fundamentou a sua poética baseada na introdução do caráter nacional em suas obras.

São fundamentais as leituras dos poemas Boris Godunov e Ievgenii Onegin. Este recentemente publicado pela editora Record, traduzido pelo Embaixador Dário Castro Alves. Vocês podem ler a entrevista com o tradutor no link do jornal russo PRAVDA: http://port.pravda.ru/sociedade/cultura/02-09-2006/12545-eugenioonegin-0/

Quanto à prosa puchkiniana, isso é assunto para outro post.

Dois Verões

Uma edição relativamente recente é a prova de que a literatura russa é sempre surpreendente. Em 2003, foi publicada, pela editora Companhia das Letras, a obra Verão em Baden Baden, de Leonid Tspipkin, traduzida diretamente do russo por Fátima Bianchi. Obra de relato febril de um médico apaixonado por literatura que escrevia apenas para si. Escrito em quatro anos, Verão em Baden Baden estruturou-se exatamente entre os anos de 1977 e 1981, período em que sua veiculação seria impossível na Rússia Soviética. Levado clandestinamente para terras americanas, foi apresentado em um seminário dedicado a imigrantes russos e, a partir de então, difundiu-se em pequenos círculos literários porém só ganhou envergadura através da tradução para o inglês de Susan Sontag (que tem a introdução traduzida na edição brasileira por Rubens Figueiredo) que foi a primeira a elevar o livro à condição de obra-prima literária que condensa elementos de um século de ficção e paraficção.

Verão em Baden Baden é uma recriação da viagem do famoso escritor realista russo Fiodor Mikhailóvitch Dostoiévski e sua jovem esposa Anna Grigorievna à Europa Ocidental, no ano de 1867. Neste ano, o casal deixava a Rússia, fugindo das dívidas de azar contraídas por Dostoiévski e, rumo a países como França, Alemanha e Inglaterra, é que a magia acontece. No Ocidente, tal como na Rússia, era verão, porém, o calor que se sentia era a da pulsão do capitalismo mergulhado num caldeirão consumista e a clara visão socialismo pseudo-fraterno que ludibriava até mesmo os mais castigados pela miséria. Essas impressões já haviam sido registradas ficcionalmente pelo próprio Dostoiévski em Notas de Inverno sobre Impressões de Verão (traduzido do russo para o português por Boris Schnaiderman), mas foi através de Tsípkin, um fã, que os passos de Dostoiévski e de Fédia (um reflexo do romancista) convergem para uma só viagem, a do romance Verão em Baden Baden que, como numa fita de moebius, dois lados de uma história podem ser estranhamente uma única coisa.

Com realidades justapostas e ficções ficcionalizadas, Leonid Tsípkin orquestra sua obra por meio de frases longas que dão amplitude e profundidade ao enredo que pulsa exatamente como a vida foi sentida em duas esferas distintas, na criação de Dostoiévski e na recriação de Tsípkin.  Como num labirinto de experiências, Verão em Baden Baden abre as portas da cultura russa aos leitores mais atentos que sejam capazes de perceber às alusões feitas constantemente à tradição cultural russa. As cenas evocam a memória invernal que traz consigo as lembranças de séculos de resistência literária encabeçada por grandes escritores russos como Púchkin, Gógol, Blok, Biéli, Mandelstam, entre muitos outros. A cada página, somos guiados por uma narrador sem nome mas que conhece, como poucos,  o mundo de Dostoiévski e todas as suas nuances que vão da desordem psicológica à insanidade e da mesquinharia ao brilhantismo. Na remontagem de Tsípkin, a história começa com o já mencionado narrador silencioso que viaja para Leningrado (atual São Petersburgo) num tempo de imponentes sombras geladas. Em uma viagem paralela, Fiódor Dostoiévski e sua esposa Anna Grigorievna estão a caminho de Baden-Baden, deixando para trás os credores e esperançosos em uma virada nas roletas. Fédia (Fiódor) é alguém extremamente imprevisível que oscila entre atitudes grosseiras, preconceituosas e emocionadas demonstrações de afeto para com sua jovem esposa.
Com essas intermitências do ser, Tsípkin concede à sua narrativa um fluxo de consciência magistralmente retirado das turbulências do casal Dostoievski. Realidade imaginada e ficção a esta altura já estão muito imbricadas no romance, fato que faz de Tsípkin um escritor com uma habilidade única de conviver com seu ídolo literário numa terceira margem, num ambiente que é de criação própria e que dá à narrativa um tom mais forte de posicionamento frente à vida. Ao mesmo tempo que Tsípkin faz Dostoiévski ressuscitar mais de cem anos depois, ele tenta se afastar das influências do mesmo, de um destino que o desespera, o oprime.

Um sentimento de vertiginosa queda livre permeia o livro Verão em Baden Baden. Tudo é latente – a crença no amor, os desmaios devido à epilepsia e o feitiço dos mistérios da arte que se apresentam envoltos em conflitos motivados pela inveja e pela paixão. Até o seu ponto final, há uma luta por uma herança poderosa de cultura e história russas que é exaustivamente trabalhada pelo autor que foi um escritor moderno e que nos deixou um caminho aberto para uma nova escrita, uma escrita possivelmente ainda mais fiel à verdade do que a do mestre russo de realismo, pois, nesse romance, se falou não da verdade absoluta, constituída, falou-se sobre a verdade de um homem. Não de um mito, mas de um homem, Fiódor Mikháilovitch Dostoiésvki. Então, feito está o convite para que todos leiam Verão em Baden Baden, uma obra sensível e inerente às vicissitudes da vida.

Leonid Tsípkin - Nasceu em Minsk (Bielorrússia), em 1926. Foi médico de profissão e não se dedicou à literatura profissionalmente, apesar de apaixonado por ela. Seu único livro publicado foi Verão em Baden Baden, em 1981, que teve como base um manuscrito levado na clandestinidade para os Estados Unidos da América. Leonid Tsípkin morreu em 1982 no dia em que faria 56 anos de idade e não apreciou a repercussão de sua obra. Verão em Baden Baden foi traduzido do russo para o português por Fátima Bianchi e foi publicado pela editora Companhia das Letras, em 2003.